Le K Samka

Didier Bezace (L'Entêtement Amoureux) - "Le neveu de Rameau"
Ce dialogue, qui est presque un roman, Diderot l’écrit au sommet de son art, à près de soixante ans, et le revoit encore dix ans plus tard. Il met aux prises deux personnages seulement, « Moi », et le Neveu. Ce personnage se dédouble sans cesse : qu’est-ce qu’un homme qui prétend ne pas avoir de conscience, ne pas avoir d’unité, mais qui a en même temps une sensibilité esthétique, celle d’un musicien averti..?

De Denis Diderot
Adaptation et mise en scène Didier Bezace
Avec Pierre Arditi et Bruno Abraham-Kremer
Production L'Entêtement Amoureux, Compagnie Didier Bezace

SPECTACLE ANNULE
Création du 22 au 30 mai 2020 à Anthéa d’Antibes
Le 3 juin 2020 à Arlon (Belgique)
Le 5 juin 2020 à Spa (Belgique)
Le 9 juin 2020 à Uccle (Belgique)
les 10 et 11 juin 2020 - Wolubilis Bruxelles (Belgique)

Didier Bezace (L'Entêtement Amoureux) - "Il y aura la jeunesse d'aimer"
Cette lecture à deux voix – un homme et une femme – est consacrée aux textes d’Aragon sur l’amour et le couple. En premier lieu, sur le couple qu’il forma avec Elsa Triolet. Les titres abondent : Les Yeux d’Elsa, Elsa, Le Fou d’Elsa,… Autant de poèmes où les musiciens trouvent depuis des années leur bonheur et qui sont souvent chantés avec succès par les plus grands interprètes, courant ainsi sur toutes les lèvres.
Autant de vers qui semblent bien prouver à l’évidence qu’Elsa Triolet ne fut rien d’autre que sa « muse », son inspiratrice et comme son égérie, ainsi qu’on le dit parfois. Pourtant la « vraie » Elsa fut bien autre chose que « la muse de… » et « la femme de… » ! Elle fut un écrivain de talent (la première femme à recevoir le prix Goncourt), une combattante courageuse aussi, décorée après la victoire sur le nazisme de la médaille de la Résistance. Elle forma avec Aragon un couple de créateurs unis par l’écriture et qui aimaient « croiser » leurs ouvrages : l’un n’a d’ailleurs jamais cherché à dissimuler ce que son travail devait à l’autre. Parce qu’ils n’envisageaient pas leurs propres vies comme à l’écart ou distinctes de celles de leurs semblables, ils furent aussi l’un et l’autre activement mêlés aux combats, aux espoirs et aux déchirements des hommes et des femmes du vingtième siècle.

Au-delà des clichés bien pensants et des images trop rapides, cette lecture donnera à entendre ce que fut vraiment cette vie à deux à travers des textes peu connus. Elle s’emparera également du thème central chez Aragon de l’amour et du couple, jusqu’à cette formule fameuse chantée par Jean Ferrat : « La femme est l’avenir de l’homme », alors que le vers réellement écrit par Aragon est « L’avenir de l’homme est la femme ». C’est que l’amour est une donnée universelle des sociétés humaines et que la rencontre amoureuse, chacun le sait bien, est une puissance qui peut sans prévenir bouleverser et métamorphoser l’existence de chacun. L’amour est ainsi ce qui conduit l’individu à sortir de lui-même et du registre du seul calcul de son strict intérêt propre pour s’ouvrir à la vie en couple dans le désintéressement, la réciprocité, le partage, le respect.

Autant de traits humains qui l’éloignent de ses routines de consommateur et des contraignantes pesanteurs des « lois du marché » ! Autant d’expériences qui viennent conforter ce que l’on pourrait appeler « un communisme du deux », car, écrit Aragon, « il est assez de deux amants pour changer la vie et ses normes ». Le couple « d’où naît la beauté du monde et la beauté du jour » peut alors s’épanouir dans la sublime métaphore d’une humanité de l’avenir, outrepassant ses conflits millénaires pour se réconcilier avec elle-même dans le partage harmonieux de sa diversité. Un couple majeur auquel les deux comédiens prêtent leurs voix et leur grand talent pour célébrer et faire partager l’incendie de la prose et du lyrisme d’Aragon, tout en faisant entendre pour de bon la voix d’Elsa. Aragon va donc reprendre la parole, et cette fois, c’est la comédienne Ariane Ascaride et le comédien Didier Bezace qui lui serviront de porte-voix.
Bernard Vasseur, février 2015

Didier Bezace (L'Entêtement Amoureux) - "Le Cas Sneijder"
Le Cas Sneijder de Jean-Paul Dubois est une étape supplémentaire - après "Les Heures Blanches" de Ferdinando Camon, "Pereira prétend" d’Antonio Tabucchi, "Aden Arabie" de Paul Nizan et la préface de Jean-Paul Sartre, "La Femme changée en renard" de David Garnett et quelques autres textes...–, de mon travail théâtral autour et en compagnie d’auteurs de la littérature romanesque.
J’y retrouve Pierre Arditi à qui j’ai confié le rôle de Paul Sneijder; cette nouvelle création sera la continuation d’un compagnonnage artistique et amical que nous avons entamé en 2001 avec "L'école des femmes" créée dans la Cour d’honneur au Festival d’Avignon, puis "Elle est là" de Nathalie Sarraute, "La Moustache" d’Emmanuel Carrère créées au Théâtre de la Commune ainsi que "Les Fausses Confidences" de Marivaux en 2009. Il sera entouré de l’équipe artistique et de certain(e)s des comédien(ne)s qui m’accompagnent dans mon travail théâtral depuis de nombreuses années. Le Cas Sneijder est avant tout le portrait d’un homme blessé, seul fragile rescapé d’un terrible accident d’ascenseur, que ce tragique événement force à regarder l’univers qui l’entoure, les gens qui le peuplent avec une lucidité nouvelle. Paul Sneijder n’est pas un combattant, il cherche à survivre et à comprendre l’impérieuse et mécanique verticalité du monde et les conséquences tragiques qu’elle entraine pour lui; il résiste à cette machine infernale en s’obstinant à rester lui-même, il démissionne d’une vie active et conforme aux normes d’une société conformiste, bien pensante, qui ne lui pardonne pas cette déviance : au motif de le soigner, on le surveille... « Aussi hilarant que désespéré » commentait la presse à la sortie du livre en 2012; effectivement c’est un mélange de cocasserie, d’inquiétude profonde, de drôlerie incongrue, de méchante hypocrisie qui peut faire de ce récit au théâtre, une comédie où le désenchantement se mêle à l’humour et à l’amertume.
Didier Bezace, janvier 2017

Didier Bezace (L'Entêtement Amoureux) - "Quand le diable s'en mêle"
Ceux qui ont écrit à propos de Feydeau, ils sont rares – on est vite en mal de dissertation à propos de Feydeau – l’ont parfois comparé à Molière, un Molière du début du 20ème Siècle. Si un élément les rapproche indubitablement, c’est le rire, sa force inextinguible, sa vertu collective, sa capacité simultanée de dénonciation et de réconciliation. Molière jouait de ses grimaces pour faire rire le parterre et la galerie aux dépens des personnages qu’il incarnait lui-même - Arnolphe, Sganarelle, Dandin, le malade... – plongés jusqu’à l’absurde folie dans leurs obsessions. Feydeau met au point des mécanismes de situation et de langage qui font exploser le rire aussi sûrement qu’éclate une bombe. C’est un horloger minutieux, un farceur tatillon qui ne laisse aucune chance à la psychologie de déclencher l’explosion à sa place.
Ainsi ces deux dramaturges font naître par le jeu une conscience collective qui s’exprime par la secousse physique du rire, c’est un phénomène cathartique comparable à celui des larmes, on dit d’ailleurs pleurer de rire comme on pleure de tristesse et j’ai vu parfois, au cours de représentations de pièces de Feydeau, des spectateurs atteints brutalement d’une hilarité hémorragique relevant d’un bouleversement physique d’ordre sismique.
Le rire est une émotion indispensable à l’émancipation des consciences mais au-delà du rire, qu’est-ce qui fait de Georges Feydeau un dramaturge si populaire ? Sans doute la part d’humanité ordinaire qu’il met en jeu dans son oeuvre et plus particulièrement dans les courtes pièces en un acte qu’il a écrites entre 1908 et 1916.
Didier Bezace

Didier Bezace (L'Entêtement Amoureux) - "Le square"
Il est question dans Le Square de solitude, d'exclusion, d'amour, de haine, de violence, de foi et de désespoir; c'est dire qu'on est loin d'une poétique éthérée, un peu mondaine, qui fut la marque de reconnaissance portée par la bonne société, toutes rives confondues, à l'œuvre de Duras dans les années 80 ; celle qui écrit Le Square vient de traverser les épreuves de la guerre, du nazisme, elle a milité au parti communiste et s'est retrouvée au sein de groupes d'intellectuels et d'artistes actifs qui rêvaient de changer le monde; son regard sur les gens, sur la vie semble participer à la fois d'une radicale exigence enfantine et d'une sagesse centenaire: c'est la douleur et l'appétit de l'existence qu'elle traduit dans sa langue. Voilà pourquoi cette œuvre que j'aime et que j'admire depuis longtemps me paraît neuve, urgente, actuelle, comme si nous-mêmes cheminant depuis plusieurs décennies entre les espoirs déçus, les utopies ratées, les bricolages réformistes, nous retrouvions brusquement devant le dénuement, cet étonnement fondamental devant la seule difficulté d'être au monde qu'expriment cette jeune débutante et cet homme fatigué, dans un square en fin d'après-midi tandis qu'un enfant s'amuse et que les gens passent.
J'ajouterai, pour tempérer ce qui pourrait passer pour de la noirceur dans mon propos à l'égard de la pièce, que sa force m'a toujours paru résider dans le fait que, grave et bouleversante elle est aussi légère et tendre souvent, drôle grâce à l'humour sérieux de l'auteur: une vraie comédie et c'est ainsi que j'ai voulu la monter.
Didier Bezace

Didier Bezace (L'Entêtement Amoureux) - "La Dernière Neige"
J’admire profondément ce texte dont l’auteur m’est cher pour les livres merveilleux qu’il écrit depuis 15 ans. Vous ne le connaissez pas, il est discret, il a le talent de ceux qui savent nous faire regarder autrement le monde et les gens.
La Dernière Neige, un de ses premiers romans, est le récit intime de blessures secrètes que le temps n’efface pas et d’une liberté chèrement acquise ; c’est un livre précieux, j’espère vous le faire aimer.
Didier Bezace

Les Baladins du Miroir - "Le Roi Nu"
Henriette, la fille du royaume d’à côté, et Henri... un garçon porcher tombent raide-dingues amoureux. Surprise par sa mère, la princesse se verra contrainte par celle-ci, à un mariage forcé avec « Le Roi d’à côté », aussi gros que vieux.
La voici parachutée dans un royaume dont la rigueur n’a d’égal que la bêtise, un royaume où tout se met en place pour la noce dans un protocole abracadabrant. Malgré la présence d’un chambellan rugissant et d’une gouvernante tyrannique, ce mariage injuste pourra-t-il être évité ?
L’amour aura-t-il le dernier mot ?
Ce texte de 1933 est la première pièce pour adultes de Schwartz et il est intéressant de constater qu’il s’inspire de trois contes d’Andersen. Cette oeuvre fut interdite avant même sa création car Schwartz avait fait de la tyrannie, de l’arbitraire et de l’oppression, son moteur dramatique.
C’est cette histoire qui a scellé le désir de création complice de deux compagnies belges : Gaspar Leclère, directeur artistique des Baladins du Miroir confiant la mise en scène à Guy Theunissen co-directeur artistique de la Maison Ephémère. Guy Theunissen replace cette histoire dans le monde actuel. Sans en changer le contexte : le public reconnaîtra les puissants d’aujourd’hui, la folie et la vulgarité du pouvoir d’aujourd'hui.
C’est donc sous un chapiteau à l’incontestable convivialité, que deux compagnies vous invitent à assister, en chansons, danses, et musique live (du rock mâtiné de jolies balades) à un véritable feu d’artifice : le truculent rivalisera avec la malice, le plaisir en étendard.

Zabou Breitman (Cabotine) - "La Compagnie des Spectres"
Deux femmes, la mère et la fille, vivent recluses dans un petit appartement. L’huissier de justice, chargé de procéder à l’inventaire de leurs biens avant saisie, va devenir l’interlocuteur, bien malgré lui, de ces femmes hantées par les spectres de l’Histoire. La mère vient colorer la noirceur du propos de son vocabulaire fantasque et grossier, atrocement drôle parfois, parlant du Maréchal Putain, prenant l’huissier pour Darnand qu’elle enjoint de déguerpir à coup de Raus, mais citant Epictète et Sénèque en toute simplicité.

La fille compose, affolée de la tournure des choses, en fait peut-être trop, comme elle le dit, pour éviter coûte que coûte la guerre. Pendant ce gigantesque état des lieux, la fille raconte sa mère qui raconte sa propre mère, remontant deux générations jusqu’à ce drame familial sous l’Occupation, et le régime de Vichy, qui perdurera jusqu’à aujourd’hui, soixante-sept ans plus tard. «Pensez-vous que le malheur s’hérite, monsieur l’huissier ?» demande la fille.

Jean-Quentin Châtelain (Argos* Théâtre) - "Bourlinguer"
Jusqu’à quel point Blaise Cendrars, ce grand aventurier de la littérature suisse, serait véritablement à l’origine du mot "bourlinguer" ? Peu importe, la légende est jolie. Né en 1887 à La Chaux-de-Fonds, l’écrivain poète d’origine suisse a fait de sa vie un roman, et de ce roman une œuvre d’art.
Bourlinguer fait d’ailleurs partie de la tétralogie des récits autobiographiques écrits entre 1945 et 1949, lorsque la plume de l’auteur est à son apogée.
Parmi les onze récits qui constituent Bourlinguer, le metteur en scène, Darius Peyamiras choisit celui intitulé "Gênes", qui retrace notamment des fragments d’enfance au parfum capiteux. Tout ce qui arrive au héros est insolite, extraordinaire, et donne lieu à une écriture particulièrement inventive, qui passe de l’anecdote détaillée à des réflexions plus profondes sur le genre humain.
On comprend bien le désir du metteur en scène d’entendre ce récit de la bouche du comédien suisse Jean-Quentin Châtelain, qui fait du monologue un art de haute voltige.

Pierre Pradinas (Le Chapeau Rouge) - "La cantatrice chauve"
Ce qui est drôle dans cette oeuvre, c’est déjà son sous-titre, « anti-pièce » : d’après l’auteur, vous allez donc voir une pièce qui n’en est pas une, et non seulement ça, mais une pièce qui s’oppose à toutes les pièces écrites jusque-là...
Et le fait est, les tentatives infructueuses trouvées sur internet le montrent : La Cantatrice chauve ne se résume pas.

Monsieur et Madame Smith reçoivent les Martin à la maison… Tout est anglais dans cette histoire, les gens, la pipe, le fauteuil, le journal, jusqu’au dix septième coup de la pendule… Même le silence est anglais prévient l’auteur. Mais Ionesco, qui a eu l’idée de la pièce en apprenant justement l’anglais par une méthode bien connue écrit dans ses mémoires « si j’avais voulu et n’avais pas réussi à apprendre l’italien, le russe ou le turc, on aurait pu tout aussi bien dire que la pièce résultant de cet effort vain était une satire de la société italienne, russe ou turque ».

Ilka Schönbein (Theater Meschugge) - "La vieille et la bête, à mon père"
La veille et la bête a été crée au Théâtre de Vidy-Lausanne le 26 octobre 2009 et au Grand Parquet le 11 février 2010. Il tourne jusqu’en mai 2013.



Présentation
Un jour au début de l’année je me promenais au bord d’un petit fleuve en Allemagne près de Berlin. Soudain je remarquais quelque chose dans l’eau, quelque chose qui luttait pour ne pas couler. Avec un bâton je l’ai retiré de la rivière. En fait cette chose était un petit âne, je l’ai emmené chez moi pour l’essuyer et avec une grande tasse de chocolat chaud, il m’a raconté que sa mère est une reine et n’a pas voulu d’un âne comme enfant, «donc elle m’a jeté dans l’eau». Ça m’a rappelé un conte de fée que j’ai récemment lu, mais là, le roi pouvait empêcher le meurtre alors j’ai demandé à l’âne s’il avait un père.
«Un père ! C’est quoi ça !?» M’a répondu le petit âne.
Evidement depuis les contes de fée ont changé. Mais comment faire dans ma vie de théâtre itinérant avec cette pauvre bête ? Transformer mon camion en écurie d’âne et demander de la paille fraîche sur le sol de ma loge dans la fiche technique ? Puis j’ai relu le conte et là, l’âne savait jouer du luth, une idée m’est venue à l’esprit car même si je ne deviens pas de plus en plus jeune et que je commence à être de plus en plus fatiguée, je pourrais apprendre à mon âne à jouer du luth. Peut-être un jour il pourrait me remplacer sur scène et gagner notre vie à tous les deux… quelles perspectives agréables !
Enfin bref, on a commencé le travail avec des exercices rythmiques, avec ces quatre pattes et apparemment il a un certain talent musical. Par contre pour le luth, ce fut beaucoup plus long. Mais l’image de moi-même assise sur un siège regardant mon âne m’a remplie de courage et m’a poussée pour aller plus loin.
Un jour après une année de travail, un directeur de théâtre m’a invitée en résidence de création artistique dans un petit théâtre à Paris près de la Gare du Nord, à coté du quartier indien.

Nous étions donc dans ce théâtre et quelqu’un frappa à la porte.
– Qui est là ? ai-je demandé
– La mort ! répondit la mort
– Ah non ! Mort ! Pas maintenant, je suis en pleine répétition ! Dégage !
– Je ne suis pas venue pour toi espèce d’andouille, c’est ton père que je veux emmener, il est très malade ! Si tu veux lui dire adieu, il faut que tu te dépêches !
Alors, j’ai enfermé l’âne dans les loges, avec un tas de paille, des pommes et des carottes, demandé au directeur de lui tenir compagnie et je suis rentrée chez mes parents en Allemagne. J’ai trouvé ma mère en larmes, mon père au lit et la mort à la tête du lit. Si vous connaissez le vieux conte «De la mort à la tête du lit», vous savez bien ce que cela veut dire ! Mon père était plutôt tranquille, presque serein. On a passé trois semaines ensemble, mon père, ma mère, les nombreux amis de mon père, moi et la mort. Trois semaines pour préparer le grand départ, remplies de larmes, de soins et d’amour. Trois semaines pleines de souvenirs, de rires et de fleurs. Puis la mort a fait son travail.

Ensuite je suis retournée au théâtre et la mort m’a accompagnée.
– J’adore le théâtre, cela me change les idées après le travail, m’a-t-elle avoué
Alors j’ai sorti mon âne de la loge, il était bien reposé, en pleine forme. Je me suis assise dans la salle pour diriger ses échauffements, la mort à coté de moi. Après quelques minutes, la mort m’a chuchoté.

Ilka Schönbein (Theater Meschugge) - "Chair de ma chair"
Pourquoi l’enfant cuisait dans la Polenta d’Aglaja Veteranyi est un récit mémoire d’une enfant de cirque qui évoque tour à tour les rapports mère, enfant, douleur de la perte, solitude, frénésie, adversité, nomadisme, déracinement... Chair de ma chair a été crée au grand Parquet en octobre 2006, il tourne jusqu’en juin 2009.


Présentation
Pourquoi l’enfant cuisait dans la Polenta d’Aglaja Veteranyi est un récit mémoire d’une enfant de cirque qui évoque tour à tour les rapports mère, enfant, douleur de la perte, solitude, frénésie, adversité, nomadisme, déracinement… Le récit est construit comme une série d’instantanés, souvenir de cette enfant qui a grandi trop vite et puise toute sa poésie au plus profond de sa mémoire, la quintessence des sentiments, la réalité émotionnelle de ces moments de vie. Le lien entre l’univers d’Aglaja Veteranyi et celui d’Ilka Schönbein est évident, les images qui surgissent sont source d’un imaginaire proche. On voit les images, on les devine déjà à la lecture de ce texte. C’est un peu comme deux sœurs qui se retrouveraient au détour d’un récit et qui décident de mettre en commun leurs qualités d’émotion. Il y a aussi ce lien avec l’ailleurs, avec le voyage et avec l’errance. C’est aussi cette exigence de porter haut et fort une vérité et une aventure artistique avant tout humaine chargées des tours et des détours de la vie. Aglaja Veteranyi porte en elle la magie des mots et au-delà des mots, des images qu’elle secrète et dont Ilka est dépositaire.

Ilka Schönbein (Theater Meschugge) - "Sinon je te mange"
Quand la vieille chèvre rentra de la forêt, ah, quel triste spectacle s'offrit à ses yeux! La porte de la maison était grand ouvert : la table, les chaises et les bancs étaient renversés, la cuvette était brisée en mille morceaux, l'édredon et les oreillers étaient sortis du lit.


Le Loup et les sept chevreaux
Quand la vieille chèvre rentra de la forêt, ah, quel triste spectacle s'offrit à ses yeux! La porte de la maison était grand ouvert : la table, les chaises et les bancs étaient renversés, la cuvette était brisée en mille morceaux, l'édredon et les oreillers étaient sortis du lit.
Elle chercha les enfants, mais elle ne les trouva nulle part. Elle les appela par leurs noms, les uns après les autres, mais personne ne répondit. Lorsqu'elle arriva enfin au nom de la plus jeune, elle entendit une petite voix toute fine qui disait : "Chère mère, je suis à l'intérieur de la pendule" La vieille chèvre en sorti son enfant et la petite lui raconta que le loup avait avalé tous les autres.

"Mais comment a-t-il pu entrer" demanda la vieille chèvre. "Nous lui avons ouvert la porte car nous avons pensé que c'était toi maman qui revenait" répondit la petite chevrette. "Mais vous n'avez pas remarqué la patte noire à la fenêtre ? Et vous n'avez pas entendu sa voix roque ?" demanda la vieille chèvre. "Mais sa patte était toute blanche" dit la petite "comme la tienne et la voix était toute douce, comme la tienne maman. Il nous a promis de nous apporter plein de bonnes choses."

Alors une histoire pour les petits enfants ? Certes. Mais nous, les grands, nous savons bien que cette histoire se répète toujours et partout dans le monde. Et nous, les grands, devrions bien savoir que le méchant loup se cache aussi dans notre propre maison et même à l'intérieur de chacun de nous. Et nous, les grands, nous devrions savoir aussi, que la patte du loup n'est pas toujours noire et que sa voix est "des fois" fine et douce.

Alors, soyons sur nos gardes, sinon....

Ilka Schönbein / Laurie Cannac (Theater Meschugge) - "Faim de loup"
Le chaperon rouge ! Tout le monde connaît.... ou plutôt tout le monde croit connaître. Plus que les versions de Perrault ou de Grimm, c'est leurs ersatzs illustrés qui viennent à l'esprit. Qui se souvient pourtant des versions orales, de ces récits millénaires et internationaux qui renferment de véritables trésors initiatiques ? Si les frères Grimm nous ont montré la voie en révélant du conte toute la puissance poétique, retenons de Perrault la hardiesse, et des versions orales, le mordant. Le spectacle s'inspire de ces chaperons-là, qui nous parlent depuis toujours de la nécessaire prise de risque de l'enfant hors du giron maternel, de transgression, de rives dangereuses où la candeur peut s'abîmer, de transmission intergénérationnelle... C'est donc un conte de la transformation, celle de l'enfant en adulte, celle de l'être en devenir, celle de tous ceux qui questionnent leur vie... Ainsi aux interrogations posées par le conte "Où vas-tu?", "Quel chemin prends-tu?", "Qui es là?" résonnent d'autres échos. Notre chaperon à nous est tout blanc. C’est une petite fille moderne, clown naïf, qui, pour échapper au carcan de superficialité dans lequel elle évolue, plonge avidement dans l’histoire du chaperon rouge. Ce n'est qu'en s'écartant du chemin tout tracé, celui d'un confortable et étouffant conformisme, que s'ouvriront alors d'autres couleurs, rouge comme le danger, rouge comme la révolte, noir comme le désespoir et la mort, rouge comme l'amour... Comme une palette pour tracer son propre destin. En pénétrant ce monde merveilleux et terrifiant, la petite fille se fond dans le conte et le conte se fond en elle, dans un corps à corps avec les marionnettes. Tous les personnages rélèlent alors les forces contradictoires qui s’affrontent à l’aube de l’adolescence. Conte cruel, conte naïf, conte de sagesse, d’initiation, de transformation, rêve, cauchemar? Faim de loup est tout cela à la fois.

Ilka Schönbein / Laurie Cannac (Theater Meschugge) - "Queue de poissonne"
Au large dans la mer, l'eau est plus claire que le plus pur cristal. Mais elle est si profonde qu'aucune ancre ne peut en atteindre le fond… Une marionnettiste bien fantasque part à l’aventure, à bord d’un frêle esquif d’osier et de papier. Plongeant aux tréfonds des océans, là où l’homme n’a jamais encore posé le pied, elle touche au fond des mythes. C’est ici que La Petite Sirène d’Andersen l’attend, et la transforme. Tour à tour sirène, sorcière, prince et même parfois plusieurs à la fois, elle nous entraîne dans les méandres de l’amour ! On retrouve dans cette nouvelle collaboration entre Ilka Schönbein et Laurie Cannac, les ingrédients qui nous avaient tant séduits dans le spectacle Faim de loup. Comme point de départ, un très beau conte dont le contenu n’est nullement édulcoré. Il est question ici d’une jeune sirène prête à tout pour conquérir son Prince. Sa détermination l’amènera à traverser les éléments, l’univers amniotique du fond des eaux, le feu de la passion, le terre sèche et dure, pour espérer s’élever enfin comme une bulle d’air. Personnages doubles, jeux de miroirs, corps amphibies et autres métamorphoses et dispersions de l’être, vous découvrirez ici des formes de marionnettes sensibles et surprenantes, sur une musique d’Alexandra Lupidi, qui signe aussi celle de La vieille et la bête d’Ilka Schönbein.

Patrick Sims (Les Antliaclastes) - "Hilum"
Hilum est une micro tragédie comique basée sur les cycles d’une machine à laver. Un mélange de comptines, d’images de dessins animés, d’objets partiels et d’autres références aux locutions de l’enfance sont jetées dans le tourbillon du tambour pour rafraîchir le linge sale du conte de fée.

Hilum se déroule dans la laverie au sous-sol d’un Muséum d’histoire naturelle de seconde catégorie. Cette cave est peuplée de mioches douteusement adorables qui, pour une raison ou pour une autre, ont été exclus du reste du royaume des curiosités bien rangées à l’étage supérieur. Orphelins et libérés de leurs hôtes, ces racailles prénatales s’amusent comme s’amuseraient tous les enfants de cet âge. Les blanchisseuses vaquent à leur opus ménager malgré les fréquentes chamailleries des enfants. Ce qui débute comme une simple tâche ménagère entourée de jeux d’enfants devient une mission impossible. Dans le chaudron cubique, le blanc se mêle aux couleurs, la laine est rincée à l’eau chaude… et la récréation tourne au théâtre de la cruauté pur et dur.

Patrick Sims (Les Antliaclastes) - "Here lies Shakespeare"
« Nous avons émis les ‘hypothèses’ et les ‘suppositions’ et les ‘peut-être’ et les ‘je ne sais pas’ et les ‘sans doute’ et les ‘rumeurs’ et les ‘opinions’ et les ‘probabilités’ et les ‘vraisemblances’ et les ‘il nous est permis de penser que’ et les ‘nous croyons à juste titre que’ et les ‘cela aurait pu’ et les ‘incontestablement’ et les ‘sans l’ombre d’un doute’ et... ‘voyez... !’ » -- Mark Twain

Shakespeare est-il mort ?
Voilà où repose le mensonge de Shakespeare... Là est sa dernière demeure, ou bien, c’est ici que Shakespeare nous ment. L’année prochaine marquera le 400ème anniversaire de la mort de Shakespeare et la question de savoir si ‘William Shaksper’ de Stratford-sur-Avon a écrit les pièces de Shakespeare (ou toute autre pièce) fait violemment fureur.
Shakespeare représente l’humanité et les gens sont en général enclins à penser ainsi. Les travaux de Shakespeare sont en ce moment à bord de la fusée Voyager de la NASA, filant à toute vitesse à travers l’espace vers de lointaines galaxies, dans le but de rentrer en contact avec d’autres populations. Imaginez une seconde que l’on ait envoyé la mauvaise personne et que le portrait sur la couverture poussiéreuse du (Grand) livre de notre civilisation soit celui d’un imposteur ? N’avons-nous pas d’autres objets anciens de notre civilisation que nous pourrions étudier avant de les envoyer vers la grande et éternelle maison de publication du ciel, d’où la moindre correction serait impossible ? D’ailleurs, les extra-terrestres sont-ils vraiment intéressés de savoir si ce grotesque péquenaud à tête de patate a vraiment écrit les sonnets ou s’il était capable même de signer son propre nom ? Cela semble plutôt être notre problème. Personne ne souhaite reposer sous la mauvaise pierre tombale. Dans une capsule témoin endommagée, enterrée dans le trou noir, sale et profond du cul du monde, Shakespeare repose parmi les patates et les os de brontosaure.
Souviens-toi que tu n’es que poussière...
Une excavation shakespearienne dévoile l’épitaphe d’une civilisation slap-stick.
Patrick Sims

Patrick Sims (Les Antliaclastes) - "The Acting Bug"
Le virus de la scène est l’histoire d’Antonin Artaud qui est alors Monsieur Loyal d’un cirque de puces savantes, mis en quarantaine pour être soupçonné d’être atteint de la peste. Bien qu’il soit mis à l’écart du public, enfermé dans une cellule isolée, il continue à dresser ses puces pour un prochain spectacle.

Monsieur Loyal nourrit ses petites bêtes de son propre sang, bien que, plus il les abreuve, plus son état de santé empire. Les puces, elles, se portent à merveille dans ces conditions et réalisent des performances incroyables et des figures totalement inédites, jamais vues. Inspiré par les qualités physiques et spirituelles « extra-ordinaires » de ces acteurs invisibles, Monsieur Loyal réussit à s’échapper par la tour de la prison pour se fondre au milieu de la foule où il fait jouer ses trésors microscopiques. The Acting Bug met en scène des puces réelles, imaginaires, numériques et mécaniques dans un conte délirant inspiré tout à la fois d’un Antonin Artaud et d’un Tex Avery.

span class="ital">The Acting Bug is Antonin Artaud's story which is then Mister Loyal of a circus of learned fleas, quarantined for being suspected of being affected by the plague. Although he is put away from the public, locked into an isolated cell, he continues to tame his fleas for a next show. Mister Loyal feeds his small animals of his own blood, although, the more he waters them, the more his health gets worse. Fleas, them, go perfectly well in these conditions and realize incredible performances and totally new ever seen figures. Inspired by the "extraordinary" physical and spiritual qualities of these invisible actors, Mister Loyal manages to escape by the tower of the prison to merge in the middle of the crowd where he makes play his microscopic treasures. The Acting Bug stages real, imaginary, digital and mechanical fleas in a delirious tale inspired quite at the same time by an Antonin Artaud and by a Tex Avery movie.

Patrick Sims (Les Antliaclastes) - "Le vieux de la montagne"
Le vieux de la montagne se passe à l’intérieur d’un flipper géant. Le mythe et les légendes de Hassan Sabbah sont visités à travers trois perspectives. D’abord on découvre l’histoire à travers les yeux de Marco Polo, un riche marchand voyageur, qui se retrouve dans le Jardin des Délices Terrestres, un terrain paradisiaque d’entraînement psychédélique pour Les Assassins. Au deuxième acte, on examine la légende du point de vue de William Burroughs, qui se cache à présent à l’intérieur des entrailles électriques de ce flipper géant. Burroughs est occupé à saboter le mécanisme de tilt afin de remettre le jeu à zéro. L’acte final a lieu à l’intérieur d’un ancien gymnase iranien où un gigantesque automate (un joueur d’échecs assis) attend qu’un joueur vienne le défier. Ce troisième acte est du point de vue d’un initié de Hassan Sabbah de haut niveau (Bobby Fischer) qui attend ses ordres finaux.

Les compagnons d'Ulysse - "Le Petit Poucet et Peau d’Âne"
Une aventure surprenante et mystérieuse dans laquelle les enfants sont les héros ! Voyagez dans l’univers de deux des plus célèbres contes de Perault grâce à un parcours théâtral dans le magnifique parc du château de Laborde Saint-Martin.

Vous plongerez tour à tour dans l’histoire du Petit Poucet et de Peau d’Âne, qui entraîneront petits et grands de surprises en surprises… Aider le Petit Poucet à retrouver son chemin, protéger Peau d’Âne lors de sa fuite…telles seront les tâches que nos petits héros auront à accomplir tout au long du parcours.
Un spectacle interactif qui fera le bonheur de toute la famille !

Les compagnons d'Ulysse - "Le Misanthrope"
Le Misanthrope, c’est d’abord l’aventure d’un homme révolté contre la société dans laquelle il évolue. Cette société est d’abord celle de la cour du Roi au moment où Molière écrit, quand Paris, dans ses échanges politiques, artistiques et culturels, était cette cour.

Aujourd’hui les choses ont quelque peu changé... Pourtant tout le monde sait à quel point le célèbre maître de la comédie a su traverser les époques, sans jamais perdre en popularité.
Pourquoi ? Parce que ses histoires s’étendent à tout le genre humain et aux vices inaltérables de ce dernier : L’avarice, la fourberie, la jalousie, la vanité, l’égoïsme... Ce moule donne matière à une comédie qui ne vieillit jamais.
Le Misanthrope, c’est l’arrogance face à l’hypocrisie. Or “L’hypocrisie”, définit par La Rochefoucauld, “est un hommage que le vice rend à la vertu”.
De nos jours, s’il y a un milieu qui illustre encore assez bien cette maxime, c’est le monde artistique et son parisianisme intellectuel. Voilà le cadre parfait pour faire renaitre Célimène avec une mise en abime de l’art en général.
Jean-Baptiste Siaussat
Metteur en scène

Les compagnons d'Ulysse - "Amphitryon"
Depuis la version originale de l'illustre Plaute en -187, ce ne sont pas moins d'une centaine de versions d'Amphitryon qui furent créées, certaines plus remarquées que d'autres. Aussi on ne peut monter Amphitryon sans prendre en compte cette riche multiplicité, chaque auteur ayant apporté sa propre vision du monde.

Pour cette pièce créée en 2010, « librement inspirée de Molière », nous nous sommes enrichis des versions de Giraudoux et Rotrou, tout en faisant du texte de Molière la matière principale de notre travail. Cet Amphitryon ouvre plus profondément l’oeuvre sur le thème inhérent du double. C’est cette idée plus ou moins exploitée dans les différentes versions d’Amphitryon, mais néanmoins commune à toutes, qui a retenu notre plus vif intérêt pour nous amener à une véritable effusion de créativité artistique, au-delà du texte de Molière (bien que respecté au plus haut point dans notre travail des vers libres) et au delà des conventions du théâtre classique.


A l'origine de cette splendide dualité de l'être humain, entre sa condition d'homme et son double divin, l'amour pour dieu véritable. L'amour de l'être humain dans ses travers les plus grinçants, dans sa condition si misérable que grandiose : les hommes sont dépossédés par des dieux qui veulent séduire leurs femmes et les persécutent. Amphitryon et Alcmène viennent à peine de se marier. Jupiter, le plus grand des dieux du Capitole, veut séduire Alcmène. Il change pour cela de costume, comme il le fait souvent, et emprunte l'apparence d'Amphitryon. Il est aidé dans son stratagème par son fils, Mercure, dieu du commerce et de tous les trafics...

Amphitryon est le parcours initiatique, catastrophique et comique d'un homme en quête d'identité et de vérité.
Cette oeuvre, dont les origines remontent à la profonde mythologie de la naissance d’Héraclès, héros primordial du berceau culturel occidental, est un polygone aux thèmes multiples, développés différemment selon ses auteurs. Elle est cependant, communément à tous les grands poètes qui l’ont traitée, de Plaute à Kleist puis Giraudoux, en passant par Rotrou et bien sûr Molière, une formidable peinture de l’être humain en tant que tel. A travers le merveilleux et le génie des vers libres, Molière nous offre ainsi la grande comédie des passions humaines par laquelle nous prenons conscience de notre condition. Ce n’est pourtant pas ici la grande singularité de la pièce, cette idée formidable étant commune à l’ensemble de l’oeuvre du Maître de la comédie classique. Si cette pièce ancestrale suscite le plus vif intérêt, aujourd’hui plus encore, c’est pour un thème essentiel, qui lui donne toute sa profondeur et sa puissance comique et qui touche l'être humain en général comme l'acteur au plus profond de son âme...

Les compagnons d'Ulysse - "Van Gogh"
Le théâtre des Compagnons d’Ulysse vous emmène hors des sentiers battus à travers les écrits secrets, inédits, intimes des hommes disparus.
"Notre idée du théâtre : la culture peut être amenée partout, en toutes circonstances, pourvu que la démarche soit ludique et que le lieu soit propice à l’émerveillement."
Deux comédiens de la compagnie « Les compagnons d’Ulysse », Antoine de Giuli et Jean-Baptiste Siaussat, joueront pour vous la correspondance du grand peintre et celle de ses proches : son frère Théo, ses amis Paul Gauguin et Emile Bernard...
Durant 1h15 vous entrerez dans l’intimité de l’artiste grâce à une sélection de quelques lettres les plus marquantes de sa vie. Une véritable promenade dans le temps et dans l’histoire pour partir à la rencontre de ce peintre.

Les compagnons d'Ulysse - "Le Chat Botté"
Nous mettons en scène une grande fête de village mêlant théâtre, musique, chant… et interaction !
Nous plaçons le public au centre du spectacle. Aujourd’hui, les gens ont besoin plus que jamais d’échanger, de rire et de vivre des moments singuliers. Ici chaque spectateur est un voisin de George Dandin qui peut être pris à partie à tout moment. Dans cette même idée de théâtre participatif nous avons l’intention de donner la possibilité au public d’incarner un rôle. Une personne sera choisie au début parmi les volontaires pour monter sur scène avec les comédiens et interpréter un personnage.
Le texte est adapté pour laisser place à la spontanéité de cette situation et à de petites improvisations avec ce nouveau personnage qui n’aura pas appris de texte...

Les compagnons d'Ulysse - "George Dandin ou le Paysan qui se voyait Bourgeois"
Nous plaçons le public au centre du spectacle. Aujourd’hui, les gens ont besoin plus que jamais d’échanger, de rire et de vivre des moments singuliers.
Ici chaque spectateur est un voisin de George Dandin qui peut être pris à partie à tout moment. Dans cette même idée de théâtre participatif nous avons l’intention de donner la possibilité au public d’incarner un rôle. Une personne sera choisie au début parmi les volontaires pour monter sur scène avec les comédiens et interpréter un personnage.
Le texte est adapté pour laisser place à la spontanéité de cette situation et à de petites improvisations avec ce nouveau personnage qui n’aura pas appris de texte...